domingo, 20 de julio de 2014

Proceso creativo de una ilustración


1. Primera toma de contacto / Idea inicial

Como bien decía Thomas Alba Edison: Un genio es 1% inspiración, 99% transpiración. Eso de que hacemos un garabato en un momento y tenemos el trabajo realizado suele suceder en un porcentaje muy bajo de casos, las ideas nunca se suelen concebir lúcidas al principio, por eso está la etapa de la idea inicial que conduce a la búsqueda de referencias.

Suelo apuntar las ideas en cualquier libreta, posturas, labios, expresiones, ideas o detalles del escenario, composiciones… Cualquier cosa que crea que me va a ayudar en el proceso creativo. Necesito enamorarme de lo que estoy haciendo para darle vida, como imaginar una rápida escena familiar de un personaje en su entorno cómodo o doméstico. Me gusta amar lo que hago porque sé que así tendrá una gran calidad, se convierte en algo real por ende.




2. Etapa de investigación: La búsqueda de referencias.

Me lleva de un minuto a veinte horas dependiendo del proyecto. Los de mi entorno saben que dedico mucho tiempo para diseñar los personajes, cultura y entornos de la novela que llevo —demasiado— tiempo escribiendo. Cuando trabajo con personajes ajenos suelo tomar las referencias que se me proporcionan, pero cuando lo hago con los míos suelo recurrir a tareas de investigación muy extenuantes (que por suerte siempre acaban sirviéndome para otros proyectos)

Leo muchos libros. Seguramente le esté pagando la carrera a alguno de los hijos de la editorial Taschen, porque son muchos los libros suyos que decoran mi estantería.

Buscar cientos de imágenes en tumblr. Una mirada basta para inspirarme, aunque hasta la fecha casi todas las fotografías que encuentro están basadas en un culto exacerbado a una belleza vacua y sin más significado que el sentimiento que provoca un desnudo cuerpo joven. Casi siempre encuentro respuestas en pinturas antiguas donde encuentro miradas más naturales.

Salir a "cazar". Cuando trabajaba en Digital Chocolate, dos de mis compañeros más experimentados comentaban cómo, cuando eran más jóvenes, iban al metro de Barcelona (si mal no recuerdo) a dibujar a las personas que se movían por allí. De vez en cuando salgo libreta en mano para ponerme a dibujar todo aquello que me resulte hermoso.

Sea of Pink & White por Noelle Christine Grand Mosque por Oliver Lisenbarth
Tumblr Fuck yeah, Awesome Houses The Journeyman Creative Journal Tumblr

Castillo de Santa Bárbara, Alicante. De mi propia colección.


3. Etapa de bocetaje

Cuando realizo un boceto previo, suele ser rápido. Tardar mucho significa que el trazo pierda agilidad, consistencia y vida. Hace tiempo me recomendaron que leyera bibliografía de Andrew Loomis y me baso en su sistema para elaborar composición.




Referencia en mano, hago el trabajo sobre la composición principal y me guío a través de estas líneas de distribución para hacer finalmente la ilustración. Una vez el boceto está terminado decido si pinto sobre él o si hago tintas puesto que domino varios estilos y nunca tengo problema en experimentar con algunos nuevos.

4. Tintas (si aplica)

No siempre hago tintas, suelo dejar mis bocetos muy lúcidos y claros para no pecar de faltar a los detalles, por ello muchas veces prefiero repetir zonas del boceto antes que dejarlas a la libre intuición. Evito hacerlo porque soy de mente distraída y a pesar de que me vuelco en mi trabajo, trabajo en varios proyectos simultáneamente y puedo perder el hilo de lo que inicialmente buscaba.







El trabajo de tintas es muy sencillo, o utilizo Paint Tool SAI para realizarlo digitalmente (depende de la prisa que tenga) o lo hago utilizando el boceto sobre mi mesa de luz. Siempre gasto el mismo problema porque estoy empezando ahora a entintar de manera tradicional: El papel se comba por el sudor de mis manos, por lo que me han recomendado usar un guante / mitón para evitar tocar el papel con la mano, o utilizar un papel de gramaje superior (yo uso 160gr, me han recomendado 210gr).


Los materiales, antaño usaba Rotrings / Rapidógrafos / Rotuladores calibrados de Staedtler, los que te daban en el cole, pero la verdad es que la tinta no me seguía la rapidez del trazo. Me frustraba tener que adaptar mi velocidad a la velocidad del rotring, así que pedí consejo en twitter y Tirso Cons (@tirsocons) me recomendó los Sakura Pigma Micron. Tienen más tamaños calibrados (el pack que compré era del 005 al 08), segundo, estos sí me siguen la rapidez del trazo incluso en papel más rugoso. Así que me he enamorado de estos rotuladores japoneses.

Velvet wings se puede apreciar en mi galería de DeviantART, Tumblr y en mi página web.

5. Color

La etapa digital suele ser la más tediosa. Siempre trabajo en formato A4 porque el PC no suele darme para más, en A3 se me quema,  pero suele ser el que más me solicitan para posters y cartelería. Tanto yo como el ordenador sufrimos bastante a la hora de preparar un poster en ese tamaño. Luego decido el color de impresión: Suelo trabajar siempre en RGB y luego hago una conversión a CYMK (y posterior tratado del color nuevamente), por lo que en mi PC, si se va a imprimir, suelen haber dos copias. A4, 8bits, color RGB, 300dpi y A4, CYMK, 300dpi.



Además de eso, tengo obsesión con el color. Si hago un trabajo rápido y no me gusta el color, es como si tuviera una espinita clavada diciéndome “SABRINA EL COLORRRR”. Por eso siempre busco maneras de mejorar mi color, siempre, tutoriales, pruebas, prácticas… Me permito mucho experimentar.
Primariamente, establezco mi foco de luz y comienzo a pintar. Dependiendo del tipo de trabajo, en blanco y negro o empiezo ya a colorear. Si tengo mucha prisa no pierdo el tiempo con un B/N.  Pero como no tenga demasiada prisa me gusta jactarme con las pruebas de color.

Por lo demás intento que la tabla de colores sea dinámica y colorida, los pigmentos más saturados me llaman la atención, mientras que descarto en cuantía las tonalidades pasteles o de baja saturación. Supongo que porque no me ha dado por tirar por esa gama, porque conozco a ilustradoras (e ilustradores) digitales en los que predominan tonos muy neutros o pasteles, suaves que dejan un color muy agradable como @cookiesdf 

Consideraba oportuno explicar todo el trabajo que lleva una ilustración, ya no sólo el trabajo mecánico (bocetar, entintar, pintar), sino también el despliegue intelectual y emocional que requiere una obra genuina. Podría comparar este proceso con un orgasmo, es un enorme trabajo que requiere toda la concentración en la tarea para acabar extenuado, y todavía más enamorado del oficio.
Sabrina Cámara Ilustradora y diseñadora gráfica